Clet Abraham

 Présentation de l'artiste:

Clet Abraham est né en Bretagne en 1966. Fils de l’écrivain français Jean-Pierre Abraham, il est un peintre et un sculpteur actif en France et en Italie depuis 1990.Il réalise d’abord des études à l'école des Beaux-Arts de Rennes puis, après avoir exposé dans différentes galeries d'art bretonnes il part s'installer à Rome où il devient restaurateur de meubles anciens. Il expose alors dans de nombreuses galeries, romaines, parisiennes et bretonnes (Galleria Studio 99, Galerie Le Marais à Paris, Galerie Armel à Nantes). En 2005 il s'installe à Florence où il exerce encore actuellement. Ses œuvres connaissent un certain succès auprès de collectionneurs privés à Paris, Monte-Carlo, New York.. Son intérêt se porte actuellement sur la réalisation d'interventions urbaines (Street art).

 

 Une de ses réalisations (panneau sur la photo):

 Il a collé à Florence, Bologne, Rome, Turin, Milan, Lucques, Pérouse, Londres, Valence (Espagne), Sassari, Douarnenez, Quimper, Audierne et Paris des stickers sur des panneaux signalétiques, tout en respectant leur lisibilité. C’est souvent un petit bonhomme noir qu’il met en scène sur ces panneaux signalétiques dans le but de les détourner de leur sens premier. On retrouve beaucoup son petit bonhomme sur les panneaux de « sens interdit », en train de porter la bande blanche qui le caractérise, comme pour emporter l’interdiction avec lui, se libérer de l’interdit ( première image) .Alors, pourquoi les panneaux de circulation ?  Tout simplement parce-que Clet y voit une forme de traitement des automobilistes comme des idiots, et qu‘il considère tous les panneaux comme des pollutions visuelles à même titre que la publicité. Clet ne réalise pas que ce type de d’art. Ses interventions suscitent de nombreuses questions pour leur contenu parfois provocateur. Le Christ crucifié sur panneau de « voie sans issue » (en photo ci-dessous), en Italie, a pour son côté à première vue blasphématoire suscité une forte critique. Ces réalisations ne sont pas irréversibles étant donné que ce sont des sticker , de plus cela peut éveiller la curiosité et l'amusement du passant ou de l'automobiliste.

 

James Cameron - Avatar (2009)

 

Avatar (2009) est un film de James Cameron, scénariste, producteur et réalisateur américain né le 16 Aout 1954 au Canada. Il est l'auteur du Titanic (1997) et de Terminator 2 (1991)

Synopsis du film : 

     Malgré sa paralysie, Jake Sully, un ancien marine immobilisé dans un fauteuil roulant, est resté un combattant au plus profond de son être. Il est recruté pour se rendre à des années-lumière de la Terre, sur Pandora, où de puissants groupes industriels exploitent un minerai rarissime destiné à résoudre la crise énergétique sur Terre. Parce que l'atmosphère de Pandora est toxique pour les humains, ceux-ci ont créé le Programme Avatar, qui permet à des " pilotes " humains de lier leur esprit à un avatar, un corps biologique commandé à distance, capable de survivre dans cette atmosphère létale. Ces avatars sont des hybrides créés génétiquement en croisant l'ADN humain avec celui des Na'vi, les autochtones de Pandora.

Sous sa forme d'avatar, Jake peut de nouveau marcher. On lui confie une mission d'infiltration auprès des Na'vi, devenus un obstacle trop conséquent à l'exploitation du précieux minerai. Mais tout va changer lorsque Neytiri, une très belle Na'vi, sauve la vie de Jake...

    James Cameron s'est inspiré de livres d'aventures se déroulant dans la jungle comme ceux d'Edgar Rice (créateur de tarzan) pour créer l'histoire du film.
* Les Na'Vi :  inspirés créatures apparues dans un rêve de la mère de Cameron
* l'apparence des montagnes Huang a été une forte inspiration à la création des  montagnes flottantes
* Plantes présentes dans le film ressembles plantes sous marines observées par James Cameron pendant ses expéditions sous marines

     Genèse du film :

* 1994 : Cameron écrit un script de 80 pages en seulement 2 semaines
*Estime que le film nécessitera 100 000 000$ (300 000 000$ en réalité)
*Le film aurait du être tourné en 1997 et devait sortir en 1999 mais Cameron estime que les moyens technologiques ne permettent pas encore un résultat concluant en ce qui concerne les images de synthèse, qu'il veut intégrer en grande majorité dans le film.
*Juin 2005 : Cameron annonce être en train de travailler sur un projet nommé temporairement " Project 880 "
*en Février 2006 il révèle que le " Project 880 " est une version " retravaillée d'Avatar ", un film qu'il a tenté de tourner en 1997 et qu'il pense pouvoir réaliser grâce aux avancés technologiques dans le domaine de l'animation en image de synthèse.  

    Developpement du film :

*Langage Na'vi crée par Paul Frommer, professeur de langue titulaire d'un doctorat linguistique
*Etudes des végétaux par des spécialistes pour la création des plantes dans le film .
*Caméra utilisée = caméra inventé par Cameron, c'est une Fusion Camera System modifiée, pour filmer les scènes en 3D.

     Tournage du film :

*Commence en Avril 2007 à Los Angeles et à Wellington
*Film composé à 60% d'images de synthèses et à 40% de scènes tournées en direct.
*Avant de débuter le tournage, les acteurs sont envoyés dans la jungle pour qu'ils ressentent l'ambiance d'une forêt tropicale humide pour être mieux dans leur rôle.
*Les Acteurs ont aussi reçus un cours de langue na'vi

    Effets spéciaux

*« The Volume », une pièce dédiée à la capture de mouvement six fois plus grande que n’importe quelle autre pièce jamais utilisée, et une méthode améliorée pour la capture des expressions faciales des acteurs, permettant non plus une simple capture de mouvement, mais une capture de performance
*  les acteurs portent une sorte de cagoule sur laquelle est fixée une petite caméra filmant de près et en détails chaque mouvement de leur visage et de leurs yeux. D’après Cameron, cette méthode permet au réalisateur de transférer 100 % des performances physiques des acteurs à leurs équivalents numériques

    Récompenses : 

*Golden globes 2010 :

• Meilleur film dramatique
• Meilleur réalisateur pour James Cameron                                                                                              

 *Oscars 2010 :

• Meilleure direction artistique
• Meilleure photographie
• Meilleurs effets visuels

Les escarpins de Marylin

"Les escarpins de Marylin"

 

Du 19 juin au 30 septembre 2012, comme chaque année le château de Versailles a accueilli lors des vacances d'été des artistes contemporains encore peu connus.

Les visiteurs ont donc eu la chance de pouvoir admirer des éléments de la collection « les pompes » de Joana Vasconcelos nommée « Les escarpins de Marylin » et exposée dans la galerie des Glaces.

L'artiste :Joana Vasconcelos est née à Paris en 1971 mais part vivre à Lisbonne, elle est peu connue en France, mais au Portugal on la connait pour ces œuvres audacieuses et ses interprétations de la féminité.

Ici elle réalise une représentation géante des escarpins de Marylin Monroe avec comme seul matériel, des casseroles, ainsi elle casse les stéréotypes de la femme et met en avant la féminité de celle-ci. Cette œuvre a été créée pour l'occasion, et donc n'a pas était faite au hasard. Déjà, Marylin Monroe représente la fête comme le château de Versailles à son époque, puis le style « kitsch ». De plus le mélange d'ancien et de moderne change et attire le regard, enfin la notion de démesure est un point commun des escarpins et du château.

Il y a deux groupes de personnes ayant des avis différents:

-Ceux qui adhèrent : ils trouvent généralement le décalage intéressant, ils trouvent que ça « dépoussière »Versailles, de plus ils pensent que ces expositions aident et facilitent la rencontre de gens totalement différents, que ce soit de culture, d'âge ou de classe sociale.

-Puis il y a ceux qui sont contre: les « puristes ». Ils pensent que les visiteurs qui viennent du monde entier sont privés de la réelle nature de Versailles, ils disent que d'autres lieux sont aménagés pour exposé l'art contemporain

Elle a créé 8 œuvres différentes pour l'exposition à Versailles.

Comme par exemple, ce simili hélicoptère en plumes roses :

Si j'ai choisi "les escarpins de Marylin" c'est parce que je trouve qu'ils sont très originaux, de plus, je trouve cela important le fait que l'artiste mette autant la féminité en avant dans le lieux si magique qu'est le Château de Versailles.

Louise ~

"L'atelier" de Johannes Veermer

Cette année, pour ma minute nécéssaire, j'ai décidé de présenter "l'atelier" de Johannes Veermer.

C'est un peintre né en 1832 et mort en 1875 en Hollande. D'ailleurs le fait que l'artiste soit Hollandais à beaucoup participé dans mon choix car je voulais prendre une oeuvre originaire de là ou nous partirons en voyage avec l'HIDA.

 

"L'atelier" autrement appelé "l'alégorie de la peinture" ou "l'art de la peinture" est peint en 1866, c'est une Huile sur toile qui mesure 120 cm sur 100cm, il est aujourd'hui exposé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

 

 

Cette toile est la plus grande de Veermer, c'est également sa préférée (il en a réalisé environ 40 en tout), il l'aime tellement que lors de la période où il été endetté il refusa de la vendre.

C'est une représentation très réaliste comme l'ensemble de ces peintures. Il peint des scènes de la vie quotidienne (comme par exemple la célèbre laitière), il se spécialise dans le jeu de lumière qui le passionne.

 

A l'arrière plan la carte représente les Pays Bas, les historiens affirment qu'il était très attaché à son pays natal.

 

Il y a 2 personnages,:

 

Le Peintre: On suppose que c'est un autoportrait de dos de Veermer, il est peint vêtu principalement de noir et reste dans l'ombre pour être présent sans être l'élément qui attire le regard, il veut ainsi mettre en avant la beauté de son modèle.

 

La jeune femme: Les historiens emettent l'hypothèse qu'elle représente la muse de l'Histoire nommée Clio. Elle tient une trompette (symnole de la gloire) ainsi qu'un livre et porte sur la tête une couronne de laurier. En général Veermer joue avec les regards mais cette fois la femme à les yeux baissés et nous ne pouvons donc pas voir son regard.

 

Des éléments de richesse sont présents alors que le niveau de vie du peintre est moyen, il y a d'abord le lustre puis le carrelage qui se trouve dans l'atelier alors que ces éléments se retrouvent généralement dans les maisons bourgeoises.

 

Il utilise beaucoup de jaune et des couleurs pâles qui sont en contraste avec les couleurs foncées (rideau ou plafond).

Veermer ajoute des "pointillés" blancs sur les zones de couleurs pour "matérialiser" la lumière sur les lumières.

 

Au premier plan il y a dissimulé dans le côté gauche une chaise, ça me donne l'impression que l'on offre une place à celui qui admire le tableau, L'ensemble crée, je trouve une certaine intimité.

 

Pourquoi cette oeuvre ? comme je l'ai déjà dit au début, nous partirons bientôt dans les Pays Bas avec le groupe d'HIDA, je trouvais donc cela interessant de prendre un artiste Hollandais, tout de suite j'ai pensé a Johannes Veermer que j'ai découvert grâce à "la jeune fille à la perle" et j'ai immédiatement admiratiré son travail et son style.

 

 



CLOISTER CEMETERY IN THE SNOW :

(cimetière de monastère dans la neige)

Auteur : Caspard David FRIEDRICH

Dates : 1817-1819

Type de tableau : huile sur toile

Dimensions : 121x170cm

Mouvement : romantique allemand (réaction du sentiment,

 recherche l'évasion dans le rêve, l'exotisme ou le passé, goût du mystère

 et du fantastique. opposition à l'idéal classique)

Particularité : Détruite en 1945 lors d’un bombardement à Berlin.

	Auteur :Caspard David FRIEDRICH

Né en 1774 au  nord de l'Allemagne, dans une famille bourgeoise. Friedrich, fut frappé dès son enfance par la mort de sa mère, de ses sœurs et de son frère. La religion lui a été par la suite d’un grand secours, cette foi ce retrouve dans ses paysages spirituels. Friedrich s’inspire aussi des paysages de son enfance ( la mer Baltique, les rivages de l’Elbe et les montagnes du Harz).

Après des années d'études à l'académie des beaux-arts de Copenhague, il se fixa définitivement à Dresde, où il se lia avec de nombreux poètes. Malade pendant plusieurs années, il mourut tragiquement en 1840.

Ses paysages sont des décors intemporels, austères, voire hostiles. La réflexion sur la mort et l'au-delà est omniprésente ( cimetière, cathédrales en ruines, arbres desséchés ), parfois adoucie par un symbole religieux très spirituel. Quelquefois des hommes sont représentés, mais de dos. Friedrich construit ses oeuvres avec une rigueur et une précision extrêmes qui mettent en valeur le sentiment romantique de la solitude humaine face à l'immensité de la nature.

Description de l’œuvre :

      Cette peinture représente un cimetière de monastères en ruine. Au premier plan, on voit deux grands arbres desséchés qui encadrent la scène qui se passe derrière. Au second plan, on aperçoit des personnages de dos, ce sont des moines qui vont à la messe, il passe par l’entrée d’un monastère en ruine et derrière ce monastère se dresse une arche de cathédrale de style gothique : c’est le symbole religieux de ce tableaux. Des côtés on aperçoit des arbres mort alignés qui entourent la scène. Des croix parsèment le sol comme pour nous rappeler que nous sommes dans un cimetière. A l’arrière plan, le paysage est floue, mystérieux, on ne sait pas très bien ce que c’est, c’est une caractéristique des peintures romantiques.

    Autres œuvres :

Voyageur contemplant une mer de nuages

Le naufrage

                                                     De Julie 

                                                                                                                                             

Just what is it that makes today's homes so different so appealing?
« Qu'est-ce qui rend exactement les maisons d'aujourd'hui si différentes, si séduisantes ? »

Artiste: Richard Hamilton

Date : 1956

Dimensions : Il mesure 260 mm x  248 mm

Lieux de conservation : à la Kunsthalle, à Tübingen.

 Artiste

       

 Richard Hamilton (1922/2011 Londres)  est un peintre et graphiste anglais. étude d’art à la Royal Academy de 1948 à 1951, rejoint la Sladeschool of Fine Art de Londres. Membre de l'Independant Group de l'Institut d'art contemporain dont 'This istomorrow', considérée comme le point de départ du mouvement Pop Art en Grande-Bretagne

Mouvement

Le pop art est un mouvement artistique qui trouve son origine en Grande-Bretagne au milieu des années 1950, sous l'impulsion de Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi.

Le pop art américain émerge avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg ou encore Jasper Johns. Cette branche américaine va populariser ce courant artistique devenu majeur.

Ce qui caractérise profondément ce mouvement est le rôle de la société de consommation. C'est le principe, que les artistes américains vont mettre en évidence, de l'influence que peuvent avoir la publicité, les magazines, les bandes dessinées et la télévision sur nos décisions de consommateurs. Par la suite, le mouvement va s'étendre et toucher d'autres domaines

Description

Il est principalement constitué d'images provenant de magazines. Le fond principal est l'image d'un salon contemporain prise dans une publicité. Le body builder est Irvin Koszewski, vainqueur du concours Mr L.A. en 1954. L'artiste Jo Baer, a déclaré être la femme située sur le canapé, mais le magazine dont provient l'image n'est pas connu.

L'escalier provient d'une publicité pour le nouveau modèle d'aspirateur de Hoover

Le tableau au mur, une couverture de Young Romance, provient encore d'une publicité d’un magazine. Hamilton a déclaré que le tapis est un agrandissement d'une photographie représentant une foule sur la plage de WhitleyBay. L'image de la planète Terre au plafond est découpée dans Life Magazine (septembre 1955). L'homme du portrait au mur est John RUSKIN, écrivain, poète, peintre et critique d'art . La vue à travers la fenêtre provient de la photographie montrant l'extérieur d'un cinéma en 1927. Il y a un magazine sur la chaise qui rappelle bien sûr cet effet de sur consommation 

Interprétation

Ce collage est l’une des première œuvre du Pop art . L’artiste dénonce les clichés de la culture populaire industrielle et de la consommation à outrance , en masse . il se passionne pour la culture de la civilisation urbaine des années 1950 .il s’intéresse autant à l’aventure technologique du 20e siècle qu’aux fantaisies et anecdotes du comportement humain.

Ce sont des collages photographiques chargé d’humour qui caricaturiste une société de surconsommation visuelle . la photographie est pour lui un moyens de faire référence  au réel et le traitement qu’il inflige a ses photos un moyens de se détacher de cette même réalité

Le Taj Mahal

Le Taj Mahal est un imposant mausolée de marbre blanc qui a été construit à Agra entre 1631 et 1648 sur l'ordre de l'empereur moghol Chah Jahan. C'est le joyau de l'art musulman en Inde,et l'un des chefs-d'oeuvres les plus admirés au monde.
Chah Jahan, pour perpétuer le souvenir de son épouse favorite,Mumtaz Mahal, qui mourut en 1631, lui fit construire cette mosquée funéraire. Celle-ci fut construite par une équipe internationale composée de plusieurs milliers de maçons ,de marbriers, de mosaïstes et de décorateur travaillant sous les ordres de l'architecte de l'empereur, Ustad Ahmad Lahori.Ce monument funéraire se situe à l'intérieur d'un jardin moghol de près de 17 ha. Ce monument funéraire est également entouré de quatre minarets détachés.

Sa masse octogonale est coiffée par un dôme en bulbe domine le dédale de perspectives déssinées par les allées et les bassins.

Les matériaux nécessaires à sa construction ont été apportés de toute l'Inde et de l'Asie centrale et le marbre blanc Makrama de Jodhpur,de plus , le style architectural moghol,tout à fait spécifique ,combine des éléments et des styles empruntés aux architectes de Perce, d'Asie centrale et du monde islamique.

La majestueuse porte d'entrée , la Darwaza,est une grande structure de grès rouge à trois niveaux, terminée en 1648, elle est fermée d'une haute arche centrale flanquée de part et d'autre d'une aile à deux niveaux. Ses murs portent des versets du Coran en calligraphie noire arabe.

Les petits pavillons coiffés de coupoles sont de style indou, et soulignent le statut royal du complexe.

Le jardin d'agrément traversé par des allées, est planifié dans le style classique avec deux canaux en marbre scandés de fontaines et bordés de cyprès partent du bassin cruciforme surélevé situé au centre du jardin, le partageant ainsi en quatre carrés égaux. Chacun de ces cotés forment 16 parterres, soit au total 64 parterres contenant chacun environ 400 plantes. Le jardin est également dessiné de manière à avoir une symétrie parfaite.

Le Taj mahal lui-même ,situé dans la partie nord du jardin, repose sur deux bases, l'une de grès,au -dessous d'une plate-forme carrée rendue en damier noir et blanc et , surmontée par un énorme terrasse de marbre blanc,aux quatre cotés de laquelle se trouvent quatre minarets. Les cotés est et ouest de la tombe sont occupés par des constructions en grès rouge. La mosquée , qui sanctifie la zone et servait de lieu de culte, se trouve à l'ouest. A l'est une autre mosquée ne pouvait être utilisée pour la prière car elle tourne le dos à la Mecque.

Enfin, la partie centrale du mausolée est carrée avec des triangles biseautés; chacun d'entre eux est coiffé par une petite coupole, tandis que la partie centrale est coiffée par la double coupole principale.

A l'intérieur, la chambre principale est octogonale et contient les fausses tombes de Mumtaz et Chah Jahan.

Le 7 juillet 2007, le célèbre monument a été désignée comme étant l'une des 7 nouvelles merveilles du monde par la New Seven Wonders Foundation . Le complexe TAj Mahal est également inscrit au patrimoine mondial de l'Unesco.

Pauline Manceaux